Artdots Echo: MUDAM & Casino Luxembourg - June 2025 [EN/FR]

EN: This article follows expositions presented at The Contemporary Art Museum of Luxembourg (MUDAM) and Casino Luxembourg - Forum of Contemporary Art in June, and it is written in both English and French, foremost as a practice but also to represent the diversity of cultures and languages in Luxembourg.

FR: Cet article fait suite aux expositions présentées au Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean (MUDAM) et au Casino Luxembourg - Forum d'art contemporain en juin, et il est écrit en anglais et en français avant tout pour pratiquer, mais aussi pour représenter la diversité des cultures et des langues au Luxembourg.

MUDAM - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean / The Contemporary Art Museum of Luxembourg

EN: It was amazing to see this place again and experience what it had to offer during my visit. The exhibitions focused on topics relevant to today’s world, such as war, immigration, media, and more.

FR: C'était incroyable de voir cette place encore et de profiter de ce qu'il m’a offert pendant ma visite. Les sujets des expositions sont la guerre, l’immigration ou les médias et plus.

Fiona Banner aka The Vanity Press: Nude Wing

EN: Upon entering the museum, you could see the Nude Wing as it reflects the light coming from the windows inside the museum, especially on such sunny day like when I visited.

FR: Après l'entrée du musée, il y a le Nude Wing qui réfléchit la lumière qui vient des fenêtres, surtout lors d’une journée ensoleillée comme celle de ma visite.

EN: Nude Wing (2011) is a monumental sculpture by Fiona Banner aka the Vanity Press (1966, Merseyside, UK) featuring a Tornado aircraft wing positioned vertically. As part of a series in which Banner repurposes combat aircraft, the work transforms military units into complex and striking sculptural forms that question a common understanding of aesthetics. (…) It draws parallels between the form of the wing and the human body whilst emulating ‘nose art’ – where cartoonish, often sexualised women are painted onto aircraft fuselages –, a form of folk art, an ongoing practice within the military that emerged during World War I. Source: https://www.mudam.com/exhibitions/nude-wing

FR: Nude Wing (2011) est une sculpture monumentale de Fiona Banner aka the Vanity Press (1966, Merseyside, Royaume-Uni), composée d’une aile d’avion Tornado placée à la verticale. Elle s’inscrit dans une série d’œuvres pour laquelle l’artiste s’empare d’avions de combat, qu’elle présente de manière spectaculaire et complexe, dans leur totalité ou par fragment, remettant en question nos conventions esthétiques. (…) Ces sortes de glyphes s’apparentent, pour l’artiste, aux représentations caricaturales de femmes souvent sexualisées, peintes sur le fuselage des avions dans le nose art, une forme d’art populaire apparue au sein de l’armée lors de la Première Guerre mondiale. Source: https://www.mudam.com/fr/expositions/nude-wing

Radio Luxembourg: Echoes across borders

EN: There were many interesting works, especially the Stairway made by Monika Sosnowska. I thought it reflected on life and the uneasy path ahead, but it was great to have a supplementary read and get a different perspective from the artist.

FR: Il y avait beaucoup d’œuvres intéressantes, notamment Stairway créée par Monika Sosnowska. J’ai pensé qu'il avait réfléchi à la vie et au chemin difficile de la vie, mais c'était parfait de lire la brochette supplémentaire et d’avoir le point de vue de l’artiste.

EN: This presentation brings together a dozen of artists for whom sculpture, and by extension a heightened attention to the materiality of their works, play a key role. The selected works sketch out cultural, social and political histories, revealing the traces of collective and individual memory imbued within found objects, material experimentations or certain artisanal techniques. Source: https://www.mudam.com/exhibitions/new-collection-display

FR: Cette présentation rassemble une quinzaine d’artistes pour lesquelles la pratique de la sculpture et par extension une attention portée à la matérialité des pièces jouent un rôle prépondérant. Les œuvres sélectionnées esquissent des histoires culturelles, sociales et politiques. Source: https://www.mudam.com/fr/expositions/new-collection-display

Lisa Oppenheim: Monsieur Steichen

EN: During my first visit to Luxembourg in 2016, I had the pleasure to attend Edward Steichen’s photographic collection called Family of Man, which was recognized by UNESCO for its historical value. It was great to recall this and get another perspective on his work from this exposition.

FR: Pendant mon premier séjour au Luxembourg en 2016, j’ai eu le plaisir de visiter l’exposition photo d'Edward Steichen qui s’appelle Family of Man et a été reconnue par l’UNESCO pour son importance historique. C'était génial de me rappeler ça et d'obtenir une autre perspective sur son œuvre à partir de cette exposition.

EN: For this exhibition, Lisa Oppenheim has been invited to create a new body of work in response to the multifaceted oeuvre of one of the most renowned yet enigmatic figures in twentieth century’s photography: the Luxembourg-born, American photographer and curator Edward Steichen (1879–1973). Through photo-graphic, textile and floral works, Oppenheim unveils an unexpected portrait of ‘Monsieur Steichen’. For two decades, Lisa Oppenheim has been exploring photography’s history and its latent possibilities. In this exhibition, she focuses on little-known aspects of Edward Steichen’s practice, including his lifelong passion for flowers, his textile designs and his experimentations in the field of colour photography. Source: https://www.mudam.com/exhibitions/monsieur-steichen

FR: Pour cette exposition, l’artiste américaine Lisa Oppenheim a été invitée à créer un nouveau corpus d’œuvres en réponse à la pratique artistique de l’une des figures les plus célèbres mais aussi les plus énigmatiques de la photographie du 20e siècle : le photographe et conservateur américain Edward Steichen (1879-1973), qui est né au Luxembourg. À travers un ensemble d’œuvres photographiques, textiles et florales, Oppenheim dévoile un portrait inattendu de « Monsieur Steichen ». Depuis deux décennies, Lisa Oppenheim explore l’histoire de la photographie et les potentialités inexplorées que celle-ci recèle. Pour Monsieur Steichen, elle s’est intéressée à des aspects méconnus de l’œuvre de Steichen : la passion qu’il a entretenue toute sa vie pour les fleurs, ses créations textiles et ses expérimentations dans le domaine de la photographie couleur. Source: https://www.mudam.com/fr/expositions/monsieur-steichen

Lubaina Himid and Magda Stawarska: Nets for Night and Day

EN: Nets for Night and Day aligned well with other works presented at MUDAM, I liked the usage of organic materials and variety of the elements in the exposition.

FR: Nets for Night and Day s'accordait bien avec les autres œuvres au MUDAM, j’ai bien aimé l'utilisation de matériaux organiques et la variété des pièces de l’exposition.

FR: Composée de nouvelles productions et d’œuvres emblématiques des deux artistes, cette exposition est la première d’importance en Europe à se consacrer à la pratique artistique collaborative de Lubaina Himid et de Magda Stawarska. (…) Dans leur exposition Nets for Night and Day, la mémoire se déploie au travers d’une partition jouée par des peintures, des dessins, des sculptures, des sérigraphies, des photographies et des installations sonores. (…) Ça fait appel aux notions d’appartenance, de perte et de mémoire. Source: https://www.mudam.com/fr/expositions/nets-for-night-and-day

EN: Featuring new and significant works, this exhibition is the first full scale European survey presenting the collaborative artistic practice of Lubaina Himid and Magda Stawarska. (…) In their exhibition Nets for Night and Day, memory unfolds as a score narrated through paintings and drawings, as well as sculpture, silkscreen printing, photography and sound installation. (…) It reflects on the multifaceted notions of belonging, loss and memory. Source: https://www.mudam.com/exhibitions/nets-for-night-and-day

Ho Tzu Nyen: Time & the Tiger

EN: Ho Tzu Nyen’s exposition gives the opportunity to immerse yourself in a different culture, but its subject can be found universally, also in the Western culture. Each element of the exposition compliments another well forming a cohesive project.

FR: L’exposition d’Ho Tzu Nyen donne la chance de s'immerger dans l’autre culture, mais le thème peut être universellement trouvé, aussi dans la culture occidentale. Chaque pièce de l’exposition se complète bien et forme un projet complet et cohérent.

EN: Ho Tzu Nyen’s Time & the Tiger takes us on a journey through the layers of history in East and South-East Asia. (...) At the heart of his artistic practice lies a reflection on history: the way in which it is written and transmitted, but also the role of tales, myths and fiction within it. These questions manifest themselves in works that often take as their starting point the context of Southeast Asia – a region characterised by the multiplicity of identities, languages, religions, cultures and influences and whose ‘unity’, as the artist underlines, appears to lie above all in its plurality and transformation. (...) The figure of the tiger, found in Ho Tzu Nyen’s oeuvre since his first works, embodies such a conception of time and history. Present on the Asian continent for two million years, the tiger occupied a central place in ancestral cultures, before being decimated to the point of near extinction. Yet, it continues to nourish imaginaries and play a major cultural and symbolic role. For the artist, it becomes a spectral, liminal figure, capable of traversing space and time: ‘In this story, death is not the end. Instead, we see tigers returning again and again in various new forms,’ he observes. Source: https://www.mudam.com/exhibitions/time-the-tiger

FR: L’exposition d’Ho Tzu Nyen, Time & the Tiger, nous fait voyager à travers les strates de l’histoire de l’Asie de l’Est et du Sud-Est. (...) Au cœur de sa pratique artistique se trouve une réflexion sur l’histoire : la manière dont elle est écrite et transmise, mais aussi la place qu’y occupent les récits, les mythes et la fiction. Ces questions s’incarnent dans des œuvres qui ont le plus souvent pour point de départ le contexte de l’Asie du Sud-Est – une région qui se distingue par la multiplicité des identités, des langues, des religions, des cultures et des influences qui y coexistent, si bien que son « unité », comme le souligne l’artiste, semble avant tout se trouver dans la pluralité et la transformation. (...) La figure du tigre, que l’on trouve dans le travail de Ho Tzu Nyen depuis ses premiers travaux, incarne une telle conception du temps et de l’histoire. Présent sur le continent asiatique depuis deux millions d’années, le tigre a occupé une place centrale dans les cosmologies d’Asie du Sud-Est, en tant que lien avec les esprits ancestraux et entre les mondes animal et humain, avant d’être décimé au point d’être aujourd’hui en voie d’extinction. Il continue pourtant de nourrir les imaginaires et de jouer un rôle culturel et symbolique de premier plan. Pour l’artiste, il devient une figure spectrale, liminale, capable de traverser l’espace et le temps : « Dans dans cette histoire, la mort n’est pas la fin. Au contraire, nous voyons les tigres revenir sans cesse sous de nouvelles formes », observe-t-il. Source: https://www.mudam.com/fr/expositions/time-the-tiger

Agnes Denes: The Living Pyramid

EN: The Living Pyramid was absolutely magnificent, and its placing couldn’t be better!

FR: The Living Pyramid était absolument magnifique, et sa placement ne pouvait être meilleure!

EN: Close to the museum, on the esplanade of the Park Dräi Eechelen, opposite the Ville Haute, Mudam will present the iconic artwork The Living Pyramid (2015) by Hungarian-American artist Agnes Denes (1931, Budapest), a pioneering figure of ecological and environmental art. Conceived as a monumental sculpture with a natural life cycle, The Living Pyramid takes the form of a nine-metre-high pyramid on which grow more than two thousand flowering plants selected by the artist from local flora. Source: https://www.mudam.com/exhibitions/the-living-pyramid

FR: À proximité immédiate du musée, sur l’esplanade du Park Dräi Eechelen qui fait face à la Ville Haute, le Mudam présente l’œuvre emblématique The Living Pyramid (2015) de l’artiste hongroise-américaine Agnes Denes (1931, Budapest), figure pionnière de l’art écologique et environnemental. Conçue comme une sculpture monumentale dotée d’un cycle de vie naturel, The Living Pyramid prend la forme d’une pyramide de neuf mètres de haut sur laquelle poussent plus de 2000 plantes à fleur sélectionnées par l’artiste parmi la flore locale. Source: https://www.mudam.com/fr/expositions/the-living-pyramid

Casino Luxembourg - Forum of Contemporary Art / Forum d'art contemporain

EN: I always enjoyed this cozy, for a museum, place, but this time I was unlucky to see only one exposition as the other on the first floor was being prepared for the next month.

FR: J’ai toujours aimé cette place qui est douillette pour un musée mais c’était dommage que l’autre exposition, dans la première étage, était préparée pour le mois prochain.

TUBE.PHOTO.DASH

Artists/Artistes: Christian Aschman, Julien Carreyn, Bertrand Cavalier, Wade Guyton, Pierre Hourquet, Aurélien Mole, Katja Stuke & Oliver Sieber, Batia Suter, Rebecca Topakian, Wolfgang Tillmans, Ruth Van Beek

Curator/Curateur: Théophile Calot

EN: TUBE.PHOTO.DASH was a great exposition that gives the ability for artists to show their perspective, and what means to them the most.

(...) between two production formats that are elementary to photographic work and essential to its dissemination: the book and the exhibition space. While the former takes us into a more intimate, horizontal reading of photography, the latter takes us into a broader, vertical reading. Each of the guest artists is proposing works related to ‘book’ in the broadest sense. The books in question are in turn presented in the exhibition space. Placed on an individual reading device, they question the verticality and horizontality of the image and the point of view from which it is read, all in an attempt to grasp the links between the space of the book and the exhibition space. Source: https://casino-luxembourg.lu/en/agenda/tubephotodash

FR: TUBE.PHOTO.DASH était génial pour donner une chance aux artistes de montrer leur point de vue et ce qui est le plus important pour eux.

(...) entre deux formats de production élémentaires dans le travail photographique et essentiels à sa diffusion : le livre et l’espace d’exposition. Alors que le premier nous plonge dans une lecture horizontale, plus intime, de la photographie, le deuxième nous emmène dans une lecture verticale, plus large. Chacun·e des artistes invité·e·s propose des œuvres ayant un lien au « livre » au sens large. Les « livres » ou ouvrages sont à leur tour présentés dans l’espace d’exposition. Placés sur un dispositif individuel de lecture, ils interrogent la verticalité et l’horizontalité de l’image ou encore le point de vue de lecture, le tout dans une tentative de saisir les liens entre l’espace du livre et l’espace d’exposition. Source: https://casino-luxembourg.lu/fr/agenda/tubephotodash

Marco Godinho: The Hidden Library

Curator/Curateur: Filipa Lima

EN: Well hidden! :)

As part of the 10th edition of the European Month of Photography (EMOP), entitled Rethinking Photography, the InfoLab library at Casino Luxembourg is hosting The Hidden Library by artist Marco Godinho, curated by Paul di Felice, in collaboration with Cercle Cité.

The Hidden Library is an invitation to enter the artist's private world. The exhibition offers an immersive, participatory experience, playing on the alternation between absence and presence, distance and proximity. The photographs chosen by Marco Godinho, inserted like bookmarks in the works that inspire him, transform the library space into a poetic and aesthetic terrain of exploration. The discovery of these personal photographs creates an intimate link between the visitor and the artist's creative process. Source: https://casino-luxembourg.lu/en/agenda/hidden-library-marco-godinho

FR: Bien caché! :)

Dans le cadre de la 10e édition du Mois Européen de la Photographie (EMOP) placée sous le titre Repenser la photographie, la bibliothèque InfoLab du Casino Luxembourg accueille The Hidden Library de l'artiste Marco Godinho, sous le commissariat de Paul di Felice, en collaboration avec le Cercle Cité.

The Hidden Library est une invitation à entrer dans l'intimité de l'artiste. L'exposition propose une expérience immersive et participative, jouant sur l’alternance entre absence et présence, distance et proximité. Les photographies choisies par Marco Godinho, insérées comme des marque-pages dans les ouvrages qui l'inspirent, transforment l’espace de la bibliothèque en un terrain d’exploration poétique et esthétique. La découverte de ces photographies personnelles tisse un lien intime entre le visiteur et le processus créatif de l’artiste. Source: https://casino-luxembourg.lu/fr/agenda/hidden-library-marco-godinho

Shade Sadiku Cumini: périscope - création in situ

Curator/Curateur: Filipa Lima

EN: It is in this context that Shade Cumini's work is so striking: fragility, as she intends it, is not a sign of weakness but a tool of resistance. Viewers in turn are required to kneel down in order to view périscope. The discomfort of physically lowering oneself before the work mirrors the psychological discomfort of confronting patriarchal structures. Yet, in kneeling, one is also invited into a space of reflection, engagement, and subversion—an opportunity to reflect on the legacy of historical oppression while simultaneously engaging with the artistic work of a woman artist who redefines what it means to be vulnerable, resilient, and powerful. Source: https://casino-luxembourg.lu/en/agenda/periscope-creation-situ

FR: C’est dans ce contexte que l’œuvre de Shade Cumini interpelle. La fragilité dont il est question ici, n’est pas un signe de faiblesse mais un outil de résistance. Ce contraste devient encore plus visible face au périscope. Pour voir l’œuvre, les spectateur·rice·s sont obligé·e·s de s’agenouiller. L’inconfort de s’abaisser physiquement reflète en quelque sorte l’inconfort émotionnel de se plier aux structures patriarcales. Pourtant, en s’agenouillant, le·la spectateur·rice est aussi invité·e à entrer dans un espace de réflexion, d’engagement et de subversion — un espace où il·elle peut interroger les conséquences de l’oppression historique tout en s’imprégnant du travail d’une femme artiste qui redéfinit la vulnérabilité, la résilience et la puissance. Source: https://casino-luxembourg.lu/fr/agenda/periscope-creation-situ